Mein Name ist Astri Styrkestad Haukaas, ich bin 36 und Norwegerin. Bis zu meinem 12. Lebensjahr wuchs ich in Oslo auf, bis wir dann auf einen Bauernhof in Ål, Hallingdal zogen. Seit 2010 lebe und arbeite ich in Kopenhagen.

Deine Kunst nimmt den Betrachter mit, was sind die Referenzen hinter deiner Kreativität und deinen Kreationen? Wie entstehen die Ideen zu deinen Gemälden?

Oh, vielen Dank! Mein Thema ist die Natur, gefiltert durch subjektive Erinnerungen: Natur, menschliche Natur und Menschen in der Natur. Ich denke viel darüber nach, wie die Natur der Katalysator starker körperlicher Erfahrungen sein kann und sie fasziniert mich zutiefst. Ich liebe es, darüber nachzudenken, wie Menschen tiefe, persönliche Beziehungen zur Natur aufbauen – zu Orten, Bergen und Seen. Es fasziniert mich, wie wir uns mit ihr verbinden und uns von ihr distanzieren müssen. Wir differenzieren oft auf merkwürdige Weise – das ist natürlich, während anderes unnatürlich ist. Wir sind Menschen und Teil der Natur. Ich meine, ich bin die Natur und du bist die Natur. Und selbst der Stein, den ich in meiner Tasche habe, ist auch ein Stück Natur.

Nach dem Tod meiner Mutter 2009 war es ein beruhigendes Gefühl, dass sie jetzt ein Teil unserer Natur ist. Sie existiert in meinen Erinnerungen und in der Natur um mich herum. Es ist beruhigend und erdend. Und bestimmte Orte in der Natur stehen mir sehr nahe. Das sind emotionale Trigger, Trost und Inspiation.

Ich arbeite viel mit dem Kontrast, der in Stein und Wasser steckt, und ich finde, die Autorin Rebecca Solin sagt es hier so schön:

„Der Grand Canyon ist nichts als ein atemberaubendes Beispiel für die Macht des Schwachen, hier Wasser, über das Starke, hier, Stein. Die Abgründe demonstrierten es am deutlichsten, diese hohen schmalen Schluchten durch polierte Steinwände mit einem täuschend sanften Fluss am Grund.“

Aber auch, was Steine ​​in verschiedenen Kulturen bedeuten, fasziniert mich. Das gleiche gilt für Wasser. Menschen haben immer auf die Natur geschaut, um die menschliche Natur zu verstehen. Ich finde es immer wieder interessant, und jedes Mal, wenn ich darüber lese, darüber nachdenke und spreche und damit arbeite, entstehen neue Gedanken. Die geschriebenen Gedichte und Worte von Schriftstellern helfen mir, meine Arbeit zu diesem Thema zu verstehen; die Dichter Tor Ulven und Olav H. Hauge sowie die Autorin Rebecca Solnit sind drei, die ich gerne lese.

Ich denke, alle meine Bilder bauen aufeinander auf und setzen die Worte fort, die die Bilder begleiten, die sie nicht erklären, und doch sind sie irgendwie eine fortlaufende Untersuchung des Menschen in der Natur und der Natur im Menschen. Oder eine fortlaufende Geschichte. Ein roter Faden, der sichtbar sein kann aber nicht sichtbar sein muss.

Wann hast du mit dem Malen angefangen und wie hat sich deine Kunst und Handschrift von damals bis heute entwickelt?

Ich habe Kunst und kreatives Management studiert. Ich male seit meiner Kindheit – wie wir alle. Ich habe einfach weitergemacht und jetzt arbeite ich damit. Ich hatte lange und kurze Pausen und mache oft andere Dinge gleichzeitig, aber ich komme immer wieder zurück. Auch wenn ich nicht male, geht es in meinem Kopf weiter.

Die Natur war immer zentrales Thema meiner Arbeit. Vorher eher figurativ und später expressiver. Ursache und Wirkung sind und waren schon immer wichtige Bestandteile meiner Arbeit. Der Prozess selbst und die Art und Weise, wie die von mir verwendeten Materialien aufeinander reagieren. Was auf der Leinwand mit den verschiedenen Farbsorten und Farben passiert, hat meine volle Aufmerksamkeit und ist vielleicht die einzige Zeit, in der ich mich wirklich konzentrieren kann. Die erste Stufe ist in gewisser Weise sehr frei. Keine Regeln oder Pläne. Ich verwende zunächst eine sehr wässrige Basis und sehr wässriges Acryl und füge dann Sprühfarbe, Acryltinte, Ölfarbe oder andere Arten von Acrylfarbe hinzu. Das Wasser lässt die Materialien frei reagieren und ermöglicht dem Pigment, sich zu bewegen, sodass ich einen Schritt zurücktreten und zusehen kann, wie es passiert. Das schafft die Basis, von der aus ich bewusster weiterarbeite.

Eins folgt dem anderen – es ist eine Kettenreaktion, bei denen eine Bewegung durch die vorherige ausgelöst wird und so weiter. Es braucht Erfahrung, Fokus und meine Emotionen, um ein Gemälde zu schaffen. Es ist in meinem Körper, die Dinge, die ich erschaffen muss. Leinwand und Farbe dürfen natürlich auch nicht fehlen.

Meine Familie stammen aus einem Bergdorf, das wir in Norwegen „støl“ nennen, es liegt in Skarvheimen im Hallingdal. Es birgt so viele Erinnerungen und die Landschaft in der Umgebung bedeutet mir sehr viel. Ich ziehe so viel von meiner Inspiration daraus, die Farbpalette und was emotional passiert, wenn ich dort bin oder wenn ich mich danach sehne, weißt du, es ist die Erinnerung an das Gefühl dort zu sein.

Was bedeutet Farbe für dich?

Die Farbpalette ist sehr wichtig und stammt of aus einem Bild, das mir beim Wandern oder Spazieren gehen aufgefallen ist. Da fange ich meistens an. Und dann lasse ich es von da aus weitergehen.

Welche Art von Atmosphäre möchtest du schaffen?

Ich hoffe, meine Bilder sind offen und lassen die Person, die stehen bleibt, um sie anzusehen, ihre eigenen Erfahrungen, Erinnerungen oder Geschichten einbringen. Die Titel und Aussagen/Texte können hoffentlich als musikalische Untermalung dienen und nicht als Rätsel, das Sie lösen müssen.

Das Gefühl, an etwas oder irgendwo angekommen zu sein und bereit zu sein, das Malen ohne mich weitergehen zu lassen, das ist es, was mir wichtig ist und wenn ich weiß, dass es fertig ist. Es geht ohne mich weiter, wenn jemand anhält und es ansieht. Nimm es an. Das ist alles, worum ich bitten kann und alles, worauf ich hoffe.

Hmm, ich glaube, ich möchte einen der ersten erwähnen, an die ich mich erinnern kann. Als ich ein Kind war, hatten wir ein von Bodil Cappelen illustriertes Kinderbuch und die Bilder/Illustrationen in diesem Buch waren so farbenfroh und in gewisser Weise grotesk. Ich kann mich nicht erinnern, wie das Buch hieß, aber ich erinnere mich, dass ich sehr fasziniert war von den Gemälden und fasziniert von den Emotionen, die sie mir irgendwie vermitteln konnten.

Ich liebe auch jedes Mal, wenn Kunst, alles von Musik und Literatur bis hin zu Poesie oder bildender Kunst, mich zu Tränen rührt, haha, ich bin sehr leicht zu bewegen und liebe es, die äußersten Ecken meiner Emotionen zu spüren.

Ich gehe jeden Tag ins Studio. Ich gehe gegen 9 hin und gegen 5 nach Hause. An manchen Tagen etwas früher. Ich denke, als ich jünger war, war ich eher von der Idee überzeugt, dass ich arbeite, wenn die Inspiration kommt, und in diesem Sinne hatte ich keine Struktur in meinem Arbeitstag. Aber ich habe herausgefunden, dass Inspiration in allen Situationen auftaucht und irgendwie konstant und flüchtig zugleich ist. Die Verschiebung der Perspektive vom Warten auf Inspiration hin zu dem, dass ich immer in einem Zustand bin, um inspiriert zu werden, hat viel für meinen Arbeitsprozess und meine Struktur getan. Wie jeder, der einen Job hat, muss ich auftauchen, um etwas daraus zu machen. Inspirationen oder Eindrücke sammle ich auf unterschiedliche Weise; es wird in meinem Gedächtnis als ein Gefühl gespeichert, das keine Worte hat, oder in meiner Notizen-App oder auf meinem Handy, denn wenn ich inspiriert bin, schreibe ich die Worte oder speichere sie durch Bilder. Ein Großteil meiner Arbeit findet außerhalb meines Studios statt, aber im Studio übertrage ich diese Eindrücke auf die Leinwand, die mein bevorzugtes Arbeitsmedium ist.

Ich gehe auch ins Studio und erlaube mir, nichts zu „produzieren“. Denn einfach nur da sein, lesen, nachdenken, rumspielen, Emails beantworten etc. gehört schließlich auch zum Job. Ein guter Tag im Studio ist, wenn ich in den Stunden, in denen ich dort war, präsent und im Flow war. Und wenn nichts dabei herumkam, ist es in Ordnung, ich werde morgen wiederkommen. Es ist unterschiedlich, oft habe ich Phasen, in denen ich viel male, ohne es zu intellektualisieren oder zu versuchen, es zu verstehen, ich arbeite einfach im Flow und schaue, was auf der Leinwand passiert. Und dann gibt es Zeiten, in denen ich nicht so viel male, sondern Worte von anderen lese, über meine Arbeit nachdenke und sie anschaue und mit anderen über ihre Arbeit rede, Ausstellungen besuche und lange Spaziergänge mache. Auch die Zeit in der Natur auf dem Bergbauernhof meiner Familie bringt mich in Form einer Erinnerung, eines Fotos oder eines Gedankens ins Atelier. Zu einem guten Tag im Studio gehört auch eine gute Mittagspause und guter Kaffee.

IIch LIEBE die Art und Weise, wie der Stuhl mich ermutigt, meinen Körper beim Sitzen zu bewegen. Wenn man an Gemälden arbeitet, besonders an den größeren Leinwänden, entlastet er Rücken und Nacken, das macht einen Riesenunterschied.

Du hast einen Move™ mit gelbem Bezug, was bedeutet die Farbe für dich?

Gelb bedeutet frischer, erhebender, säuerlicher Geschmack wie ein Lemon Curd Pie und intensiv. Daran mag ich einfach alles. Gelb ist mit Freunden an einem Esstisch sitzen. Zitronige Frechheit, erhebende, intensive Energie – Liebe.